Novo

Pet velikih renesančnih umetnikov

Pet velikih renesančnih umetnikov


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.


5 najpomembnejših renesančnih literarnih del

The Literarna dela renesanse So del zelo plodnega obdobja na zahodu. Najpomembnejši so Hamlet ali Utopija, med drugim.

Pod renesanso se razume stopnja učenja, ki se je začela v Italiji in se je razširila proti severu, vključno z Anglijo, do stoletja XVI in se končala sredi stoletja XVII.

V tem obdobju je prišlo do velikega in obnovljenega zanimanja in preučevanja klasične antike. Vendar je bilo to obdobje več kot "ponovno rojstvo". To je bilo tudi obdobje novih odkritij, tako geografskih (raziskovanje novega sveta, torej Amerike) kot intelektualcev.

Obe vrsti odkritij sta povzročili ogromne spremembe za zahodno civilizacijo. V znanosti je na primer Kopernik (1473-1543) poskušal dokazati, da je Sonce in ne Zemlja v središču planetarnega sistema, s čimer je korenito spremenil vizijo vesolja, ki je prevladoval v antiki in srednjem veku.

V religiji je Martin Luther (1483-1546) izpodbijal in na koncu povzročil delitev ene od glavnih institucij, ki je Evropo združevala v celotnem srednjem veku: katoliške cerkve. Pravzaprav so renesančni misleci pogosto mislili, da so arhitekti moderne dobe.

Poleg tega so se v tem obdobju zgodile nekatere pomembne politične spremembe. Nekatere najplemenitejše ideale tistega časa je izrazilo gibanje, znano kot humanizem, ki je dalo odličen vpogled v ustvarjanje literarnih del.

Renesančni misleci so se nagibali k ločitvi od del, napisanih v srednjem veku, zgodovinskem obdobju, ki so ga imeli za zelo negativnega. Po njihovem mnenju se je srednji vek ustalil v "sredini" dveh veliko bolj dragocenih zgodovinskih procesov: antike in renesanse.

Morda vas bo zanimalo tudi ogled 32 najvidnejših renesančnih umetnikov.


Pet velikih renesančnih umetnikov - zgodovina

Zgodovinsko gledano so umetniki postali znani po svojem edinstvenem slogu ali značaju, ki ga izžarevajo v svet umetnosti. Od renesančne dobe se je umetnost preoblikovala, dvignila vrednost umetnosti in jo spoštovala v družbi, ki je v preteklosti ni bilo. Umetniški mojstri so postali znani povsod, njihovo delo so preučevali med življenjem in po njem. Po renesansi so se zgodile inovacije in različne šole mišljenja, umetniki in njihovo delo pa so se od takrat razlikovali od vseh obdobij. Za najboljše slike vseh časov si oglejte najbolj znane slike.

Spodaj so seznami najbolj znanih umetnikov vseh časov in njihovih del, ki se začnejo z renesančnim gibanjem:

Italijanski renesančni umetniki

Umetniki severne renesanse

Baročni umetniki

Umetniki 18. stoletja

Umetniki 19. stoletja

  • Stari most Chelsea, London
  • Vrt Pontoise
  • Côte des Bœufs v L'Hermitage
  • Pralnica, študij
  • Pogovor
  • Žetev
  • Čolnarska zabava
  • Čaj
  • Poletni čas
  • Otroška kopel
  • Pod kostanjevim drevesom
  • Otroci na plaži
  • Julesa suši njegova mati
  • Mati in otrok
  • Mlada ženska v zelenem, na prostem na soncu

Umetniki 20. stoletja


2. Michelangelo

Michaelangelov kip Davida v Firencah v Italiji.

Rojen 6. marca 1475, umrl 18. februarja 1564 (star 88 let)

Eden od da Vincijevih sodobnikov in morda njegov izzivalec za naslov največjega renesančnega umetnika je bil Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni. Michelangelo, rojen 13 let po da Vinciju, je šel po njegovih stopinjah kot renesančni človek. Bil je uspešen umetnik, pesnik, arhitekt in inženir.

Michelangelovo najbolj znano delo je verjetno kip David, ki je bila dokončana v začetnih letih 16. stoletja. Skoraj 15 čevljev David prikazuje svetopisemsko figuro Davida v belem marmorju iz kamnoloma v Misegliji. Druga znana dela Michelangela vključujejo kip Pietà in strop Sikstinske kapele v Vatikanu.

3. Rafael

Rojen spomladi 1483, umrl 6. aprila 1520 (star 37 let)

Poleg Da Vincija in Michelangela je Raffaello Sanzio da Urbino, bolj znan kot preprosto Raphael, je znan kot tretji izmed velikih mojstrov renesančne Italije. Rodil se je leta 1483, njegova dela pa so bila izjemno vplivna tudi za časa njegovega življenja.

Medtem ko je Raphael dočakal le 37 let, je vseeno ustvaril ogromno del, vključno s slikami, freskami, grafikami itd. Eno njegovih najbolj znanih del je Atenska šola, prikazano na vrhu tega članka. Je klasičen primer renesančne umetnosti in kulture nasploh, saj se je takratna kultura pogosto sklicevala na rimsko in grško antiko.


Sveta zgodba: gonilna sila renesančne umetnosti

Nenadna ekspanzija trgovine, bančništva in tekstilne industrije v poznih 1200 -ih je prinesla priliv delavcev v mesta renesančne Italije. Rimska cerkev, katere upodobitve Boga so bile oblikovane tako, da obvladujejo občino z močjo in veličino Gospoda, je bila slabo opremljena, da bi se spopadla z velikim številom ljudi, ki so se nastanili na obrobju mest. To je popotnika oznanilo v ospredje . Pridigarji, kot sta sv. Frančišek Asiški in sveti Dominik, so prinesli drugačen način gledanja na Kristusovo življenje kot tradicionalni pogled, prikazan v umetniških delih po naročilu Cerkve. Takšni moški so bili 'nastopajoči', ki so v zgodbe, ki so jih pripovedovali občanom, prinesli pridih drame.

Za namestitev novih mest ljudi so bile zgrajene nove cerkve in jih je bilo treba hitro napolniti s podobami Kristusa, ki bi rešil njihove duše. Dolga dela niso bila več primerna, zato so se umetniki za pospešitev dekoriranja obrnili na freskopisanje. Odličen primer tega je Giottov Kristusovo objokovanje od 1303-5.

Žalost Kristusa Giotta di Bondone (1305)

Na tej freski v Padovi Giotto razkrije žalost prijateljev in družine ob tem strašnem dogodku. Kristusovo mlitavo telo objema njegova mati, roke in noge pa nežno držijo druge svete ženske. Druge figure se nagibajo k prizorišču in obstaja izrazit kontrast med njihovo nadzorovano žalostjo in jokajočimi angeli, katerih gibi so vznemirjeni. Tako se počuti in izgleda žalost po svetem Frančišku. To je močna ikonografija in to lahko vidimo tudi v kiparstvu. Giotta so navdihnile plošče reliefnih skulptur Niccola in Giovannija Pisana iz križa:

Niccolo in Giovanni Pisano, Križ

Tanko telo, rebra, ki prikazujejo, in obraz, izkrivljen v kaosu naokoli: močna podoba in tista, ki bi odmevala v občini.

Andrew Graham-Dixon je v svoji knjigi "Renesansa" komentiral, da je bila "religija ena od velikih gonilnih sil renesančne umetnosti" in jasno je, da je bila ta sprememba deloma posledica vpliva te nove vrste pridigarjev in priliva umetnikov, pripravljenih in sposobnih prikazati sveto zgodbo na način, ki bi odmeval v občini.

Na tej točki v zgodovini umetnosti je bila tehnika freskopisanja na vrhuncu. Dve najbolj znani freski iz Sikstinske kapele, ki jih je naslikal Michelangelo, sta bili dokončani proti koncu njegovega časa s poslikavo stropa kapele in sta med največjimi ploščami.

Tu vidimo zelo drugačen prikaz človeškega telesa:

Ustvarjanje Adama: Sikstinska kapela Michelangela Buonarrotija 1508-1512

Padec in izgon Adama in Eve: Sikstinska kapela Michelangela Buonarrotija 1508-1512


V Ustvarjanje Adama , je kompozicija uravnotežena v dveh polovicah, da pove zgodbo neposredno iz Geneze, medtem ko Skušnjava in izgon naslovnice na plošči pripovedujejo dva dela zgodbe. Zanimivo je umeščanje stvarstva, saj je Bog na nekoliko višjem položaju kot Adam, ki lenožno dvigne roko, da sprejme Božjo moč in moč. Pogled obeh je usmerjen drug v drugega in obstaja občutek avtoritete in podrejenosti. To se razlikuje po Skušnjava in Izgon saj sta tukaj povedana dva ločena dela zgodbe: osrednje drevo spoznanja ima Luciferja kot kačo, ki mika Evo, Adam pa zgrabi za sadje. Drugi polčas prikazuje par, ki je bil izgnan iz Edena. Medtem ko se Bog in Adam gledata drug v drugega Ustvarjanje , na tej plošči nihče ne vzpostavi stika z očmi.

Obe sliki imata v svoji postavitvi elemente simetrije, ki dodaja pomen, hkrati pa sta prijetna za oko. Adam in Bog sta v konveksni/konkavni obliki. Podobno se Adam nagne nad Evo, da bi dosegel drevo, Evino telo pa se ukrivi proti Adamu. Tudi med njihovim izgonom velja ista simetrija.

Iz tega je razvidno, da je ena najbolj očitnih značilnosti obeh plošč predstavitev figur. Renesančni umetniki so se osredotočali na klasično grško in rimsko predstavitev človeške oblike in pomena sorazmernosti. Adam in Bog sta v obeh panelih klasično opredeljena, Eva pa sledi temu Izgon .

Spremembe v umetnosti v tem obdobju niso bile omejene le na južno Evropo. Na severu je tehnični napredek spremenil dela, ki so bila proizvedena, zlasti pri promociji oljnih barv.

Zlasti dva umetnika sta sprejela živahne barve na oljni osnovi, ki bi lahko prinesli novo moč v sveto zgodbo. Jan Van Eyck Gentov oltar (1432) uporablja dvanajst plošč za pripovedovanje zgodbe, pozornost do detajlov oblačil, pokrajin in obrazov pa povečuje uporaba olja. To je umetniku omogočilo, da je preučil besedila, da bi oživel podrobnosti in zato prinesel božjo besedo nepismenim množicam.

Gentova oltarna slika: Jan van Eyck 1432

Uporaba tempure in freskanja je pomenila, da je hitrost sušenja barve umetnike prisilila, da so hkrati delali na majhnih odsekih. Ker so se olja sušila počasneje, so umetniki lahko uporabili različne tehnike za barvanje, da bi dali različne učinke, vključno s tridimenzionalnim modeliranjem, s čimer so dali globino delu. Ta ideja je še posebej presenetljiva pri premikanju Rogerja van der Weydena Spust s križa .

Spust s križa: Roger van der Weyden, 1435 Museo del Prado, Madrid

Ta tesna kompozicija je prestrežena s primarno barvo, zlatom božjega veličanstva, Marijino deviško modrino, rdečo obleko Jožefa iz Arimateje. Jasno lahko vidimo tudi žalost, ki se jim je vtisnila v obraz, toda najbolj presenetljivo je telo samega Kristusa. Določeno je vsako rebro in tetiva. Ker se oljne barve uporabljajo za ustvarjanje tekstur, lahko vidimo meso in različne materiale v kompoziciji s skoraj fotografskim realizmom. Le pozorno morate pogledati solze, ki so od igralcev padle na to sceno, da vidite učinkovitost te tehnike.

Renesansa je bila povezana z novo umetnostjo, novo upodobitvijo, novimi tehnikami, a najstarejša človekova zgodba je še vedno odmevala po svetu umetnosti in ji dajala nove izzive za razvoj.


3. Gian Lorenzo Bernini (1598 - 1680)

Bernini [wiki] je skulpturo osvobodil prejšnje okupacije z zemeljsko težo in intelektualnimi čustvi, kar ji je omogočilo, da je odkrila novo svobodo, ki ji je omogočala gibanje, letenje in vizionarsko in gledališko kakovost. Čudežni otrok, Bernini je imel iskrivo osebnost in briljantno duhovitost (pisal je komedije) - lastnosti, ki sijejo skozi njegove skulpture. Tehnično je bil tudi resničen vizionar, ki je lahko izrezal marmor tako, da se je zdelo, da se premika ali da ima okusnost najfinejše čipke. V svojem najboljšem primeru združuje kiparstvo, arhitekturo in slikarstvo v ekstravagantno gledališko zasedbo, zlasti v svojih fontanah, kjer igra vode in svetlobe nad njegovimi večjimi človeškimi figurami in živalmi ustvarja vizijo, ki je dobesedno izven tega sveta .


Zakaj je Michelangelo tako sovražil Raphaela? 5 divjih spopadov, ki so oblikovali umetnostno zgodovino

Od renesančnega rivalstva do velikega spopada kritikov v New Yorku.

Skozi zgodovino umetnosti je iskanje spomina in prevlade vodilo v močna rivalstva. Nekateri od teh so navdihnili podvige ustvarjalne enotnosti, nekateri pa so bili popolnoma uničujoči. Kakorkoli, neizbrisno so opredelili dele umetniškega ustvarjanja. Spodaj navajamo pet najbolj znanih.

Raphael proti Michelangelu

Mladi umetnik Raphael je leta 1504 na sceno v renesančni Italiji prišel z zapletenim slogom, na katerega so vplivali njegovi predhodniki Fra Bartolommeo, Leonardo in Michelangelo. Leta 1508, pri 26 letih, je mladega umetnika povabil papež Julij II., Naj naslika fresko v papeževi zasebni knjižnici v vatikanski palači. Ne samo, da je za zmago v komisiji premagal tekmece, kot sta Michelangelo in Leonardo, njegovo delo je dobilo navdušene kritike.

Tudi renesančni kronist Vasari, ki je v bistvu imel Michelangela za boga in vrhunec renesanse, je priznal, da je Raphael starejšemu umetniku ponudil denar za svoj denar:

Raphael iz Urbina je bil velik slikar, njegovi prijatelji in privrženci pa so trdili, da so njegova dela strožje v skladu z umetniškimi pravili kot Michelangelo, pri čemer je trdil, da so graciozne barve, lepega izuma, občudovanja vrednega izraza, značilnega oblikovanja, medtem ko Michelangelove ocene, ki so bile ocenjene, niso imele nobene od teh lastnosti, razen oblikovanja. Iz teh razlogov so tisti, ki so se tako menili, ocenili, da je Raphael popolnoma enak, če ne celo višji, Michelangelu v slikarstvu na splošno in da je bil izrazito boljši od njega zlasti glede barvanja.

Michelangelo se tekmovanja ni dobro lotil. Kot piše Robert S. Liebert v “Raphael, Michelangelo, Sebastiano: High Renaissance Rivalry, ” je “ naredil, da Raphael nosi breme svoje nepopustljive zavisti, prezira in jeze. ”

Toda Raphael bi lahko dal toliko, kot je dobil. Prvič, znamenito je naslikal Michelangelove figure#8217 na Heraklitovo figuro leta Atenska šola.

Raphael je v eno od njegovih fresk naslikal mračnega Michelangela. Foto: Wikimedia Commons.

Omogočenje enega tekmeca v obliki predsokratskega filozofa, ki je najbolj znan po tem, da "#nikoli ne stopiš dvakrat v isto reko", se morda zdi čudna poteza, vendar Ross King razjasni pomen: “ [I ] Zdi se, da ta filozofija univerzalnih sprememb ni vplivala na Raphaela, da bi mu posodil Michelangelove lastnosti, bolj verjetno je bil Heraklit legendarna kisla narava in grenka posmeh za vse tekmece. ”

Ingres in Delacroix sta v Franciji v 19. stoletju predstavljala dve različni slikarski šoli. Fotografije: Wikimedia Commons.

Ingres proti Delacroixu

Rivalstvo med dvema titanima francoskega slikarstva se je razvilo med spopadom stilov v Franciji v 19. stoletju, v katerem je tradicionalni neoklasični slog, ki ga je favoriziral Jean-Auguste-Dominique Ingres, nasprotoval avantgardnemu romantizmu, ki ga je zagovarjal Eugene Delacroix.

Prepir ni bil le umetniški slog, ampak moralne vrednote, pripisane liniji in barvi. “Ingres je bil samozvani zaščitnik ne le linearizma in klasične tradicije, ampak tudi morale in razuma …, ” piše Walter F. Friedlaender, avtor knjige David v Delacroix. “ [L] neenakomerna in linearna abstrakcija je poosebljala nekaj moralnega, zakonitega in univerzalnega, vsak spust v koloristično in iracionalno pa je bila hereza in moralna aberacija, s katero se je treba močno boriti. ”

Tako na Delacroixa, najbolj znanega kolorista, niso gledali le umetniško ločeno, ampak tudi na grožnjo morali francoske družbe. “Ne morem pogledati Delacroixa, "je nekoč rekel Ingres. “Vonja po žvepleni kopeli. ”

Tudi rivalstvo ni vedno ostalo na področju čistih razprav. Julian Barnes opisuje srečanje med tekmecema, ki ju je prijatelj bankir po nesreči povabil na isto zabavo:

Po dolgem žarenju se Ingres ni mogel več zadržati. S skodelico kave v roki se je s svojim policom približal kaminu. „Gospod!“ Je izjavil: „Risba pomeni poštenost! Risba pomeni čast! ’Ker je Ingres vznemirjen zaradi kolerika v hladnem Delacroixu, je vznemiril kavo v svoji majici in telovniku, nato pa vzel klobuk in se odpravil proti vratom, kjer se je obrnil in ponovil:» Da, gospod! To je čast! To je poštenost! '"

Clement Greenberg [levo] proti Haroldu Rosenbergu.

Greenberg proti Rosenberg

Ta dva velikana umetnostne kritike in umetniki, ki so jih zagovarjali, so rodili gibanje ameriškega abstraktnega ekspresionizma in so povezani z vzponom ZDA na umetniško mesto. Greenberg je gravitiral proti abstrakciji Jacksona Pollocka, njegov tekmec Rosenberg pa je favoriziral sliko Willema de Kooninga.

Greenberg je imel stroga formalistična stališča in vztrajal, da je abstrakcija korak v napredovanju tradicije slikarstva, trditev, ki jo je zavrnil Rosenberg, čigar zagovorništvo tega, kar je poimenoval "akcijsko slikarstvo", ga je privedlo do tega, da slikarstvo ni več slika , ampak posnetek dogodka. Anekdote opisujejo, kako sta morala biti na zabavah ločena, vendar je bila njihova bitka res v tisku.

Tako je v “How Art Writing zaslužil svoje slabo ime ” Greenberg kritiziral kritike, kot je Rosenberg, zaradi "perverzij in splavov diskurza: psevdo-opis, psevdo-pripoved, psevdo-razstavljanje, psevdo-zgodovina, psevdo-filozofija, psevdo" -psihologija in-kar je najhuje-psevdo poezija. "

Rosenberg je ploskal s tem sarkastičnim odlomkom iz “Action Painting: A Decade of Distortion ”:

"[T] bo želel odstraniti sodobno slikarstvo in kiparstvo v področje umetnosti-kot-umetnosti" strokovnjaka ", ki se zmeša. "Ne vidim ničesar bistvenega v tem [akcijsko slikarstvo]," piše Clement Greenberg, strokovnjak za mojstrovine, sedanjost in prihodnost, "za kar ni mogoče dokazati, da so se razvili (verjetno skozi zarodne celice v barvi) iz nobenega kubizma ali impresionizma, tako kot ne vidim ničesar bistvenega v kubizmu ali impresionizmu, katerega razvoja ni mogoče zaslediti do Giotta in Masaccia ter Giorgioneja in Tiziana. «V tej burleski umetnostne zgodovine umetniki izginejo, slike pa izvirajo drug od drugega. pomoč nobenega drugega generirajočega načela, razen kakršnega koli "razvojnega zakona", ki ga ima kritik pri roki.

Matisse in Picassovo tekmovanje je povzročilo nekaj najboljših del umetnikov. Foto: Ralph Gatti, George Stroud/Getty Images.

Matisse proti Picassu

Čeprav je rivalstvo med Henrijem Matisseom in Pablom Picassom ostalo v celoti spoštljivo in prisrčno, sta se umetnika neusmiljeno spodbujala k ustvarjalnosti. V svoji knjigi Rivalska umetnost, kritik Sebastian Smee opisuje tekmovanje med dvema velikanoma kot "dramo, kakršno ni v nobeni zgodbi o sodobni umetnosti".

V svojih dvajsetih letih se je neizprosno ambiciozen Picasso pomeril z 12 let starejšim Matissejem, ki je obema umetnikoma sprožil izjemno obdobje rasti. Po Smeeju, Matissejevem ikoničnem Modra gola: spomin na Biskra (1907) "prisilil Picassa, da korenito premisli, kaj počne", in oblikoval ustvarjalni zagon tega, kar bo postalo Les Demoiselles d'Avignon (1907), eno najboljših španskih del. Ko je Matisse videl slednjega, je mlajšega Picassa pohvalil kot »elektrificirajočega inovatorja« in priznal, da je slikar, od katerega se je »mogoče učiti«.

Trdil pa je, da je status tega klasičnega modernističnega rivalstva, ki od takrat vzdržuje štipendije in razstave, bil malce PR izum pesnika in avantgardnega ojačevalca Apollinaireja, ki je napisal sporočilo za javnost razstavo “Matisse/Picasso ” v galeriji Paul Guillaume ’s leta 1918. Da bi dvignil navdušenje, je predstavo predstavil kot spopad titanov, rivalstvo Matisseja in Picassa pa vse, kar je pomembno za ljubitelje umetnosti, jih opisuje kot “dva najbolj znana predstavnika dveh velikih nasprotujočih si teženj v veliki sodobni umetnosti. ”

Prijateljstvo Paula Gauguina in Vincenta Van Gogha se je poslabšalo. Fotografije: Wikimedia Commons.

Van Gogh proti Gauguinu

Tekmovanje Vincenta van Gogha in Paula Gauguina se je začelo kot prijateljstvo. Van Gogh je Gauguina povabil, naj se mu pridruži na jugu Francije, kjer je poskušal ustanoviti umetniško komuno v mestu Arles. Postimpresionistični mojstri so za kratek čas plodno živeli, delali in sodelovali drug z drugim v tako imenovani Rumeni hiši, kar je povzročilo konkurenčno, a prijazno umetniško rivalstvo, od katerega sta oba imela koristi.

Aranžma pa se je pokvaril. Oba moška sta bila težka lika. Van Gogha je pestila duševna nestabilnost, Gauguin pa je slovel kot narcistična in neprijetna oseba. Ko je Gauguin upodobil svojega prijatelja Slikar sončnic, van Gogh naj bi se umaknil in rekel: "To sem jaz, ampak sem nor." Ni ravno pomagal pri njegovem primeru, nato pa je van Gogh v kavarni vrgel kozarec absinta v Gauguinovo glavo.

Paul Gauguin, Slikar sončnic (portret Vincenta van Gogha) (1888). Slika avtorja Wikimedia Commons.

Po legendi si je nizozemski slikar po prepiru z Gauguinom leta 1888 odrezal uho, pri čemer je krvavo uho dal omamljeni prostitutki v bližnjem bordelu. Toda njihov odnos je postal tako vroč, da so nedavno nekateri nemški zgodovinarji umetnosti v knjigi predstavili nadomestno teorijo amputacije ušesa. V Van Goghovem ušesu: Paul Gauguin in pakt tišine. Eden od zgodovinarjev, Hans Kaufmann, je domnevni dejanski prizor pripovedoval Varuh:

Blizu bordela, približno 300 metrov od Rumene hiše, je med njima prišlo do zadnjega srečanja: Vincent bi ga lahko napadel, Gauguin se je želel braniti in se znebiti tega ‘madman ’. Izvlekel je orožje, se nekoliko pomaknil v smeri Vincenta in mu s tem odrezal levo uho.

Strokovnjaki Van Gogha na splošno stojijo pri zgodbi o samopoškodovanju. Kaufmann opozarja na nedoslednosti v zgodbah dveh umetnikov in#8217 ter na odlomku v enem od Van Goghovih pisem Teu, ki kaže na brutalni potencial njihovega rivalstva: “ Na srečo Gauguin … še ni oborožen s strojnicami in drugo nevarno vojno orožje. ”


Nova nebesa in Zemlja

Drugi večji renesančni umetnik, Albrecht Dürer (1471-1528), je prispeval k zgodovini kartografije nekaj več kot desetletje po Leonardu. Dürer je bil najpomembnejši slikar nemške renesanse, a verjetno so bili njegovi največji umetniški dosežki v inovacijah, ki jih je prinesel pri ustvarjanju zelo podrobnih lesorezov in gravur.

Zahvaljujoč novonastali mehanski tiskarski stroji, ki so jo v Nemčiji izumili sredi 1400-ih, bi lahko Dürerjeve odtise hitreje množično proizvajali za distribucijo širšemu občinstvu, kot bi si lahko ogledali ali dobili eno od njegovih izvirnih slik. Tiskanje, kot so »Štirje konjeniki apokalipse« (1497/8) in »Melanholija« (1514), so zbiralci zelo cenili, vplivali so na stoletja poznejših umetnikov in se pojavljali kot plakati v študentskih prostorih številnih mrzlih fakultet. študentov.

“Melanholija. ” Muzej umetnosti Metropolitan.

Tako kot Leonardo pred njim se je tudi Dürerju približalo, da je ustvaril vrsto zemljevidov. Tako kot Leonardo je v projekt prinesel inovativen pogled. Metodologija, na kateri temeljijo podatki na teh zemljevidih, izvira iz dela znanstvenikov in ne kot v primeru Leonardovih zemljevidov za Borgijo iz podrobnih meritev, ki jih je umetnik opravil sam. Kljub temu je Dürerju te podatke uspelo prevesti v zemljevide, ki so ponujali praktične, a zaenkrat edinstvene načine pogleda na svet.

Dürer je v svojih "Nebesnih zemljevidih ​​severnega in južnega neba" (1515) ustvaril prve natisnjene karte zvezd v Evropi. Sodeloval je z avstrijskim kartografom in cesarskim astrologom Johannesom Stabiusom (1450-1522), da bi združil vse dosedanje znanje o ozvezdjih, pridobljeno iz grških, rimskih, arabskih in drugih virov.

"Nebesni zemljevidi severnega in južnega neba. ” sever. Zasebna zbirka.

"Nebesni zemljevidi severnega in južnega neba. ” jug. Zasebna zbirka.

Umetnik je te podatke prevedel v zelo učinkovit in zelo priljubljen par podrobnih lesorezov, ki združuje znanstveno opazovanje s podobami iz mitologije na način, ki je stoletja ostal standard v zahodnih nebesnih zemljevidih.

Vsak od zemljevidov je približno 2 čevljev na 1,5 metra, tako kot Leonardov "načrt Imole", kar pomeni, da so bili ti odtisi namenjeni uporabi, ne pa le prikazani na steni ali v albumu. V času, ko so ljudje še vedno upravljali svoja potovanja - in včasih celo celo življenje - z branjem zvezd, so bili ti zemljevidi ozvezdij neprecenljivi za tiste, ki so morali natančno določiti, kje so.

Na njegovem zemljevidu neba nad južno poloblo lahko vidimo tudi, kako malo Evropejcev je v začetku 16. stoletja poznalo nočno nebo na tem delu sveta. Največja umetniška in konceptualna inovacija Dürerja pa je bila v tem, da je pomagal ustvariti resnično v prihodnost usmerjen zemljevid sveta-ali vsaj tistega dela sveta, ki mu je bil znan v času, ko ga je ustvaril.


10 najbolj znanih slik renesanse

Obdobje od 14. do 17. stoletja v Evropi se popularno imenuje renesansa in je zaznamovalo preporod ali oživitev klasičnega učenja in modrosti. Renesančni val se je dotaknil številnih področij evropske civilizacije, zlasti področij umetnosti, vere, književnosti in politike. Renesansa je zaznamovala povečano zavedanje narave, oživitev učenja, ki je bila prisotna v srednjem veku, vendar je postala vidna v 15. in 16. stoletju. Renesančna umetnost je bila namenjena predstavitvi individualnega pogleda na človeka. Obdobje renesanse je doživelo nekaj veličastnih del številnih legendarnih umetnikov, ki jih še danes častijo.

Tu je nekaj najpomembnejših in najbolj znanih slik renesanse.



Slika Leonarda Da Vincija Mona Lisa je ena najbolj znanih in priznanih slik v zgodovini. Zaradi zagonetnega nasmeha je to nedvomno najbolj obravnavana slika. Bilo je veliko razprav o nasmehu Mone Lise, pa če je nasmejana ali ne. Glavna značilnost te slike je, da je Da Vinci tako naslikal oči, da se zdi, da tudi ko spremenite kot pogleda, vas oči Mona Lise vedno spremljajo. Slika je narejena v olju na lesu in je trenutno v lasti francoske vlade. Mona Lisa je razstavljena v pariškem Louvru in pripada javnosti, kar pomeni, da je ni mogoče kupiti ali prodati.

Beseda v italijanščini pomeni pomlad. Primavera je slika Sandra Botticellija, katerega prvotno ime je bilo Alessandro di Mariano Filipepi. Slika je znana tudi kot "Alegorija pomladi". Menijo, da je Botticelli to umetnino ustvaril okoli leta 1482 in naj bi bil eden najboljših primerov renesančne umetnosti. Mnogi so poskušali interpretirati sliko in mnogi so prišli do razlag. Nekateri pravijo, da je to mitska alegorija, drugi pa, da gre za spremembo letnega časa v pomlad. Ta slika je priljubljena zaradi uporabe barve in različnih razlag, ki so ji priložene. Primavera velja za najbolj kontroverzno sliko na svetu.

Ustvarjeno leta 1512, je to ena od ikoničnih slik Michelangela. Ustvarjanje Adama je slika na stropu Sikstinske kapele. Čeprav je to ena najbolj reproduciranih slik vseh časov, je po priljubljenosti šele druga po Moni Lisi. Slika je postala simbol človeštva, saj slika prikazuje roko Boga in Adama na robu dotika.


Zadnja večerja, ki velja za najboljše umetniško delo Leonarda Da Vincija leta 1498, je pomembna slika iz obdobja renesanse. Na sliki je Jezus s svojimi učenci za zadnjo večerjo. Slika je znana po pametni uporabi barv, svetlobe in anatomije. Slika je tudi predmet številnih razprav in ugibanj. Mnogi so predlagali, da je učenka, ki sedi desno od Jezusa, Marija Magdalena, mnogi pa so se spraševali tudi o pomenu ali pomenu oblike V med Jezusom in osebo na desni. Kljub vsem domnevam je Zadnja večerja ena od mojstrovin Leonarda Da Vincija.

Naslikana leta 1511, stoji ena izmed štirih glavnih fresk na stenah apostolske palače v Vatikanu. Štiri freske simbolizirajo filozofijo, poezijo, teologijo in pravo. Slika simbolizira filozofijo, ker naj bi slika predstavljala najlepše obdobje grške filozofije, saj lahko v središču slike najdemo Aristotela in Platona. Ta slika je odlično ujela klasični duh renesanse.

Ta slika, ki jo je leta 1306 naslikal Giotto di Bondone, prikazuje trenutek izdaje Jezusa s strani Jude Iskariota, ki Jezusa identificira z rimskimi vojaki, tako da ga poljubi. V kapeli Scrovegni je cikel fresk Giotta di Bondoneja, Judov poljub pa je najbolj znana slika v ciklu. Mnogi kritiki menijo, da je Giotto genij in noben umetnik ni uspel preseči svojega dela. Njegovo mojstrstvo je razvidno iz načina, kako je ujel izraz Jezusa in Jude na tistem prizorišču izdaje.

Ta slika Michelangela Buonarrotija, dokončana leta 1541, se nahaja na oltarni steni Sikstinske kapele v Vatikanu. Slika govori o drugem Jezusovem prihodu, dnevu, ko bo Bog sodil vsemu človeštvu. Michelangelo je naslikal Jezusa v sredini, obkroženega s svetniki. Zgornji del slike prikazuje vstajenje mrtvih v nebesa, spodnji del pa spuščanje grešnikov v pekel. Zaradi barv in odličnega čopiča je ta slika najbolj cenjena slika na svetu.

Raffaello Sanzio, popularno znan kot Raphael, je naslikal Sikstinsko Madonno leta 1512. Na sliki je prikazana Mati Marija, ki v rokah drži otroka Jezusa s sveto Barbaro in svetim Sikstom na obeh straneh ter dva kerubina pod njo. To je eno najbolj znanih del Raphaela in pomembna slika renesanse.

Veliki oltar v baziliki Santa Maria Gloriosa dei Frari je tam, kjer je slika Teziana Vecellia, znanega tudi kot Tizian. To sliko je ustvaril Tizian v svojih zgodnjih letih in na tej sliki je uporabil žive barve. Vnebovzetje Device je slika o vstajanju Matere Marije v nebesa. Tizian je naslikal mater Marijo v rdeči obleki, ki je dvignjena v nebesa tja, kjer Bog gleda v Marijo, medtem ko so se apostoli od nje poslovili.

Seznam povzema 10 najpomembnejših slik renesanse, ki so doživele vzpon številnih umetnikov. Renesansa je bila nedvomno kulturno -umetniški preporod v zgodovini in to slikarstvo je postalo sinonim za obdobje renesanse.
(Vir slike: Wikipedia)


10. William Shakespeare

While the Italian Renaissance was dominated by the visual arts, the Renaissance in England took place mainly in literature and music. Shakespeare (1564-1616) was a key figure of the English Renaissance.

While he was working in the theatre, the Renaissance was peaking in England. Shakespeare was one of the first playwrights to introduce the new openness and humanism of the movement to the theatre.

One of the most influential writers in the English language, Shakespeare wrote some of the finest and most famous works ever written.


Poglej si posnetek: Obozavalac velikih guma! Varalicarenje soma (Januar 2023).

Video, Sitemap-Video, Sitemap-Videos